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ODE A LA FEMME | Ramon Casas and contemporary jewellery

La femme est sans doute une lumière, un regard, une invitations au bonheur, une parole quelquefois; mais elle est surtout une harmonie générale, non-seulement da son allure et le mouvements des membres, mais aussi dans des mousselines, les gazes, les vastes chatoyants nuées d’étoffes dont elle s’enveloppe, et qui sont comme les attributs et le piédestal de sa divinité. » Charles Baudeleaire, La femme dans Le peintre de la vie moderne.

In early 2014 I started combining high fashion creations with works from the world of contemporary jewellery, recognizing a continuing recurrence of forms, through different creative fields, germinating ideas and similar aesthetic results. This project, called “Les Métissages”, was inspired by two key concepts borrowed from my art history studies: the life (and migration) of forms[1] and ideas and the one of “sister arts”[2].

Discovering how several artists -unknown to each other- could (and can) conceive the same idea and achieve an equally aesthetic result in different fields like fashion and contemporary jewellery, gave me the possibility to create a “new grammar of beauty”, intended as a new perspective on decorative arts and opening that “life of forms” that has always given birth to preludes and collisions in the Art’s world[3].

With the project of “Les Confluences| Las Confluencias | Les Confluències” a step further is taken into a hybrid territory: the one of dialogue among arts. Forms, which survive and live through Time and Space display their range of vitality even between paintings from the Catalan Modernist painter Ramon Casas and contemporary jewellery, providing a confluence of ideas, patterns, colours and, above all, textures.

Since for many centuries applied arts were considered as younger daughters of Fine Arts, the project of “Les Confluences| Las Confluencias | Confluències” wants to testify the recurrence of ornamental motifs, decorative embellishments and similar textures by juxtaposing contemporary jewellery pieces and a corpus of works directly taken form the Modernist period, focusing on the oeuvres of one of its maximum authors, Ramon Casas.

Thus, a confluence is intended as a creative echo between the Artist -celebrated in this year 2016 “Any of Ramon Casas” with a series of exhibitions- and a group of ten invited jewellery-makers gathered together in order to create a visible, tangible dialogue between the painter of the vida moderna (modern life) and contemporary jewellery.

Ramon Casas was certainly a painter of modern life [4]: his subjects testify the closeness to realism[5] and the urge to paint what was surrounding him, from the men riding a bike, to the delicacy of his portraits, through the posters and illustrations he made. A range of episodes directly taken from reality and everyday life. In this sense, I consider him a “peintre de son temps” (a painter of his time)[6]: a man deeply plunged in his epoch as the jewellery makers are today, because, contemporary jewellery is the jewellery we make nowadays[7]; using both (Ramon Casas and the makers) an artistic universal language and, at the same time, a peculiar way of interpretation of the world, developed by each maker with different materials, techniques, sensibility and inventiveness.

A confluence is a bridge focused on materials, colours and textures flourishing first from the drawings and paintings and then, connected through the use of precious and non-precious materials, giving birth to a dialogue on ideas, inspirations and different languages. At the very beginning each jeweller artist has been selected for his/her well-known traits and language and then, invited to create a piece directly inspired to the work of Ramon Casas explaining what touched their imagination: here are the creative echoes.

casas-and-nagano — RAMON CASAS, Júlia, c. 1915, carbó sobre paper/carbón sobre papel, 57×43 cm – Gothsland Galeria D’Art KAZUMI NAGANO (Japan), Untitled, brooch, 2016 – linen paper, nylon thread, gold (18ct) and silver pin (950) – mm 120x95x55. Photographer: Ryota Skiguchi

photostudio_1473788293333 — RAMON CASAS, Dama amb peineta i mantó/ Dama con pineita y mantón, c.1915, carbó sobre paper/ carbon sobre papel, 58×44 cm – Gothsland Galeria D’Art. JORGE MANILLA (Mexico/Belgium), Who of us has lost the most, 2016 – Mixed media, leather, nylon thread, wood – 45 x 11 x 8 cm

maria-rosa-franzin-and-ramon-casas — MARIAROSA FRANZIN (Italy), I tuoi pensieri /Your thoughts, brooch, 2016 – technical goldsmith – gold 999, silver, methacrylate – mm 70x 80×30 RAMON CASAS, Dama amb berret /Dama con sombrero, c. 1915, Carbó sobre paper/ Carbón sobre papel

sungho-cho-and-ramon-casas — SUNGHO CHO (South Korea), Forest, brooch, solded & patinated silver and recycled plastic – 82x70x22mm – RAMON CASAS, Manola amb mantellina/ Manola con mantilla, c.1915, carbó i llapis conté sobre paper/carbón y lápis conté sobre papel , 60×45 cm – Gothsland Galeria D’Art

casas-mariani-vagi — RAMON CASAS, El petó de bona nit/El beso de buenas noches, c. 1890, Oli sobre tela/Óleo sobre tela – 73,5x 92,5 cm – Museu del Modernisme de Barcelona GIGI MARIANI (Italy), Dance in black, bracelet, 2016 – silver, 18kt yellow gold, niello, patina – 10 cm diameter x 2 cm large FLÓRA VÁGI (Hungary), Pillowaves III, brooch, 2016 – pear wood, cold enamel, silver, steel – 7.5 x 6.5 x 1.5 cm

casas-johansson — RAMON CASAS, Dama amb foulard vermell/ Dama con Foulard Rojo, c. 1901, Tècnica mixta sobre paper/Técnica mixta sobre papel – 60×45 cm – Museu del Modernisme de Barcelona KARIN JOHANSSON (Sweden), Sweep, earrings, 2016 – sawing, bending and soldering – 11 cm, gold and acrylic

casas-and-massei — RAMON CASAS, Chula amb mantó I mocador vermells/Chula con mantón y pañuelo rojos, c. 1898, oli sobre tela/Óleo sobre tela, 38×27 cm – Coll. particular LUCIA MASSEI (Italy), Rosso Consapevole, bracelet, 2013 – copper, pigments, mixed media, fine gold – cm 13 x cm 9 of circumference

casas-and-hirte — RAMON CASAS, Figura femenina, c. 1898, oli sobre tela/óleo sobre tela, 40,5×32 cm. – Coll. particular LYDIA HIRTE (Germany), Untitled, pendant – hand cut, colored and glazed, moved by hand, tensioned and twisted fine drawing card, drawing and calligraphic ink – 7x6x4.5 cm

vagi-and-casas — FLÓRA VÁGI (Hungary), Sun lost in waves, brooch – cedar wood, pigment, acrylic paint, silver, steel – 9 x 5.5 x 2 cm RAMON CASAS, Dama Vestida amb gavardina i tocat/Dama vestida con gabardina y tocado, 1899-1903, carbó i pastel sobre paper/carbón y pastel sobre papel

casas-and-mccaig — JUDY McCAIG (GB/Spain), A través del Espacio y el Tiempo/Across Space and Time, brooch 2016 – drawn, painted, constructed, riveted steel, 18ct gold, silver, herkimer diamond crystals, aluminium, paint, perspex – 99x67x10mm RAMON CASAS, Recollint la ginesta/ Recogiendo la Retama, c.1899, carbó i cera sobre paper/ carbón y cera sobre papel – Museu del Modernisme de Barcelona JUDY McCAIG (GB/Spain), Estrellas de la Mañana/Morning Stars, brooch, 2016 – drawn, painted, constructed, riveted 18ct gold leaf, silver, herkimer – 112x60x15mm

[1] For the life of forms see: Henri Focillon, Vie de Formes suivi de Éloge de la main, Paris, PUF, 1943 (tr. It. Vita delle Forme seguito da elogio della mano, Torino Einaudi, 1972).

For the life and migrations of forms see also: Jurgis Baltrušaitis, Le Moyen Âge fantastique. Antiquités et exotismes dans l’art gothique, Paris, 1972 (tr. It. Il Medioevo Fantastico. Antichità ed esotismi dell’arte gotica, Milano, Adelphi, 1973);

Jurgis Baltrušaitis, Formations, deformations, Paris, Flammarion, 1986 (tr. It. Formazioni, deformazioni. La stilistica ornamentale nella scultura romanica, Milano, Adelphi, 2005);

Jurgis Baltrušaitis, Réveils et prodiges, Paris, Flammarion, 1988 (tr, it. Risvegli e prodigi. La metamorfosi del gotico, Milano, Adelphi, 1999).

[2] For the concept of “sister arts” see Mario Praz, Mnemosine. Parallelo tra letteratura e le arti visive, Milano, SE, 2008.

[3] Henri Focillon, op.cit., p. 87.

[4] For the life and works of Ramon Casas see: Ramon Casas, La Vida Moderna, exhibition catalogue, curated by Gabriel Pinós Guirao, Museo del Modernismo de Barcelona, Barcelona, 2016.

CHIAROSCURO WUNDERKAMMER

Secondo quanto narrano gli Inni orfici, agli inizi del mondo, la Notte si congiunse con il vento ed essa depose un uovo argenteo, la Luna, dalla quale sarebbe poi nato Eros-Fanete, il desiderio che muove l’universo.

Studio d’arte della Mostra “MY KINGDOM” di Tanel Veenre in Monaco di Baviera durante Schmuck 2013.

Nel mito greco, la Notte è la grande dea Nyx, che di giorno vive in una caverna e che al tramonto appare con il carro trainato di cavalli neri e col suo abito trapunto di stelle. I suoi figli sono il Sonno, dispensatore degli affanni diurni, ed altre creature scellerate come le Parche, la Nemesi, e Thánatos, la morte. Ambivalente sempre e perturbante nel suo doppio significato, alla Notte, dunque, è associato il ruolo di madre primordiale nonché sorgente di tutte le cose e possibilità: possibilità che si manifesteranno alla luce del giorno.

E’ da un inno “sulla notte dei tempi” che il bianco ed il nero sono congiunti.

Considerati entrambi come non colori, l’uno come l’assenza di tutti, l’altro come la somma di tutti, il nero ed il bianco sono da sempre complementari. Dal caos della notte della creazione al cronos, al tempo ordinato in un susseguirsi di luce e buio a scandire la Vita, ma entrambi, seppur complementari, sempre visti in una duplice valenza lungo corso dei tempi e dei secoli.

TANEL VEENRE, Piccoli Trofei, serie Trophies.

Nero è un non colore per eccellenza: è il buio e del buio si ha paura. E’ il colore del lutto in tutto l’occidente ed è associato alla morte; nero è oscurità profonda senza speranza…(anche se sempre non è stato così), ma anche promessa di futura resurrezione: nigredo è il primo stadio della conoscenza alchemica.

Bianco è assenza: il nostro lessico porta ancora traccia dell’idea che il bianco sia mancanza. Si dice “andare in bianco” per definire una situazione che non poterà a nulla; ma bianco in Asia è colore della morte poiché i corpi diventano luce, ed ancora il bianco, durante il Rinascimento e secondo la teoria degli elementi e dei temperamenti, era il colore dei nati sotto Saturno, i melanconici…

HANNA LILJIENBERG, spilla.

Ecco il mio desiderio (ed anche su questo lemma potremmo discutere:”desiderium” come mancanza alla latina?) è quello di introdurvi in una stanza delle meraviglie nella quale il bianco ed il nero dialogano. Perciò, stando alla natura stessa della Wunderkammer, non troverete solo opere d’arte, bensì ogni sorta di oggetti che possano, fisicamente e soggettivamente, ricondurre al bianco e al nero: un sentiero lungo due colori. Non ci sarà nemmeno una cronologia poiché nelle Wunderkammern si stipano gli oggetti. Ogni opera sarà corredata di una didascalia che spero possa fornirvi una chiave di lettura per un percorso personale…ma che offra altresì la possibilità di confronto, interazione e condivisione.

Il 28 novembre del 1966, all’apice del successo dopo la pubblicazione del suo romanzo “A sangue freddo”, Truman Capote organizzò una festa per pochi eletti few…rigorosamente in maschera e in bianco e nero: Il BLACK AND WHITE BALL. Foto di Elliott Erwitt, tratto da N. FOULKES, BALS. Legendary Costume Balls of the twntieth century, Assouline ed.

Da ultimo, questo post non desidera essere un essai su un argomento trattato con molta più dovizia e profondità da altri, né vuol essere un lavoro compendiario e di annotazione di studiosi e ricercatori che da anni si applicano su questo tema e ai quali rimando per una più approfondita lettura.

BIBLIO LENS

CENNINO CENNINI, Il libro dell’arte. A cura di Fabio Frezzaro, Neri Pozza;
MICHEL PASTOUREAU, Nero. Storia di un colore, Ponte alle Grazie;
MICHEL PASTOUREAU, Blu. Storia di un colore, Ponte alle Grazie;
MICHEL PASTOUREAU, Il piccolo libro dei colori. Colloquio con Dominique Simonnet., Ponte alle Grazie;
MATILDE BATTISTINI, Simboli e Allegorie, collana Dizionari dell’Arte, Electa;
JURGIS BALTRUŠAITIS, Il Medioevo fantastico, Adelphi;
P.PARSHALL – D. LANDAU, The Renaissance print, Yale University press;

J. BOSCH, TRITTICO DELLE DELIZIE, sportelli esterni, 1503-04, Madrid, Prado. ◊ “In principio Dio creò il cielo e la terra. Ora la terra era informe e deserta e le tenebre ricoprivano l’abisso e lo spirito di Dio aleggiava sulle acque. Dio disse: «Sia la luce!». E la luce fu. Dio vide che la luce era cosa buona e separò la luce dalle tenebre e chiamò la luce giorno e le tenebre notte. E fu sera e fu mattina: primo giorno.” BIBBIA, Genesi 1-5. ◊ La terra, racchiusa in un meravigliosa bolla trasparente di cristallo, aleggia nel silenzio della creazione al suo terzo giorno nel dipinto di Bosch, che ne dà una tale e raffinata raffigurazione da non poter competere con null’altro al mondo. ♦ Per BOSCH, vedi R.H. Marijnissenen – P. Ruyffalaere, BOSCH, Rizzoli 1989.

J. BOSCH, Visioni dell’Aldilà (ali di un polittico?), “Salita all’Empireo”, olio su tavola, 1500-03, Venezia, Palazzo Ducale. ◊ Di proprietà della famiglia Grimani, poi passato alla Serenissima, questo pannello fa parte di una serie di quattro che potrebbe essere stato una delle ali di un polittico scomparso. Definita da Marcantonio Michiel come “la tella delli sogni”, questa salita all’Empireo è stupefacente non solo per la tecnica esecutiva che rende con magnifica accuratezza gli sbalzi luministici, ma anche per tutte quelle meravigliose stesure vetrose tipiche di Bosch. In uno straordinario conflitto fra luce ed ombra si dispiega così anche un’iconografia che ha trovato più chiavi di lettura e sulla quale ancora oggi la critica dibatte. ♦ Per saperne di più “LE DELIZIE DELL’INFERNO. Dipinti di Jheronimus Bosch e altri fiamminghi restaurati.”, catalogo della mostra, Venezia, Palazzo Ducale, maggio-agosto 1992, Il Cardo ed.

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BETTINA DITTLMAN, spilla. ◊ Da me ribattezzata “The cosmic wonder: bellezza siderale” per la straordinaria e certosina composizione, questa spilla è stata esposta al Museo di Arte Antica di Monaco di Baviera durante Schmuck 2013 alla mostra “Neuer Schmuck für die Götter”. In un ideale colloquio tra gli dèi della gioielleria di ricerca e la bellezza dell’antichità, la mostra – organizzata dalla Galerie Handwerk- è stata un successo di pubblico e critica: quando gli dèi stanno a guardare.

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ALBRECHT DÜRER, Melancholia I, 1514, incisione a bulino, Vienna, Albertina. ◊ Celeberrima per il soggetto trattato (molto caro all’autore), esemplare e accuratissima nell’esecuzione, la “Melencolia I” di Dürer godette di fortuna immensa e lasciò un retaggio artistico notevole. Seconda, in ordine cronologico, nella serie delle tre grandi incisioni (Meisterstiche) a bulino composte tra 1513-14, la Melencolia I segna il punto più alto della tecnica tonale di Dürer e della padronanza assoluta che egli aveva di questo mezzo espressivo, ma essa è anche il momento più “felice” di quel Rinascimento Nordico che colloca Dürer tra i “grandi” del tempo: non più solo artista, ma artista-filosofo. ◊ La figura alata -seduta con la mano chiusa a pugno ed appoggiata al viso (scuro)- è stata interpretata come la raffigurazione dello stato intellettuale dell’artista, individuando proprio in esso la condizione cui si lega il genio creativo e in perenne mutamento. ◊ L’incisione di Dürer -come tutta la produzione a stampa di quella nuova e meravigliosa stagione che ebbe inizio con la pubblicazione della Bibbia di Gutemberg- segnò una cesura nel mondo dei colori, come dice Pastoureau: da un mondo policromo del medioevo ad un mondo in bianco e nero fatto di linee tratteggiate e di solchi, che rendono profondità sfumature e colorismi come mai si poté constatare. Occorre anche rammentare che fu proprio anche grazie alla diffusione delle stampe e delle incisioni che la Riforma poté propagarsi con la forza che ebbe…ed è sempre grazie ai Riformatori che il nero assurge ad un “colore di Moda” (senza dimenticare però quanto caro questo colore fosse al Duca Filippo il Buono di Borgogna (“principe di cupo fasto”, come lo definì Huizinga.) ♦ Per Albrecht Dürer vedi E. PANOFSKY, La vita e le opere di Albrecht Dürer, 1977; F. ANZELEWSKY, Dürer, Firenze, 987; ♦ Per la nozione di melanconia e per la poderosa bibliografia in merito rimando a R. KLIBANSY – E. PANOSFKY – F. SAXL, Saturno e la melanconia, 1990 (ed. ampliata a riveduta); ♦ per la tecnica a bulino, la circolazione ed il successo delle stampe nel Cinquecento rimando a D. LANDAU-P. PARSHALL, op.cit. ♦ per i fasti dei grandi Duchi di Borgogna J.HUIZINGA, Autunno del medioevo;

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CHIARA SCARPITTI, Quadrato magico, collana-necklace.

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Di netta derivazione e in omaggio al particolare strabiliante che si trova proprio nell’incisione della “Melencolia I”, questo pendente di Chiara Scarpitti ripropone in chiave contemporanea il quadrato magico che si trova alle spalle della figura alata nel bulino di Dürer. Esso, però, trova altresì la propria ragion d’essere in un percorso di ricerca che trae origine non solo nella teoria dei Quattro temperamenti (leggi conoscenza alchemica) ma anche con la cabbala, da sempre punti ispiratori dell’opera di questa giovane artista orafa. ◊ Quattro lati, quattro umori, quattro stadi di conoscenza rimeditati in chiave contemporanea.

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Perché bianchi sono il Ninfeo e Villa Adriana…

…e questa statua di Antinoo giovinetto, amato da Adriano Imperatore che, non sa come fu, cadde nel Nilo.. lasciando Adriano sprofondare nel dolore più cupo.

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GIGI MARIANI, “Per antiche rotte”, anello-ring, silver, oro giallo, niello e granulazione. ◊ La tecnica orafa del niello (lega di rame, argento, piombo e zolfo, di colore nero) è conosciuta fin dall’antichità ed essa è riportata ad uno splendore leggero in questo anello che solo al primo sguardo sembra essere di poderosa consistenza. C’è un nero niger, cioé brillante, e c’è un nero ater, opaco per i latini, che ne definiscono la differenza di sfumature e il significato. Ma nel caso dell’anello di Mariani, questo nero è solo un invito ad un viaggio…per antiche rotte.

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Si può dare leggerezza al nero così come se ne dà al bianco: KAZUMI NAGANO, spilla-brooch, fili di bambù intessuti con fili d’oro. ◊ Un senso di assoluto rigore pervade questo gioiello che è, come tutti i gioielli di Nagano, un microcosmo curatissimo e silenzioso. ♦ Per Kazumi Nagano vedere: ALTERNATIVES GALLERY e GALERIE ORFEO

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IMG_20130429_080513 Strettamente complementari e pur tuttavia perfettamente uniche nelle loro edizioni, le due esecuzioni di Glenn Gould delle Variazioni Goldberg di Bach BVW 988, l’una eseguita nel 1954 e l’altra nel 1981, sono un capolavoro di sentimento e poetica bachiana di rarefatta bellezza. ♦Per GLENN GOULD vedi anche il film di F. Girard, “32 piccoli film su Glenn Gould” (1993) e Thomas Bernhardt, Il soccombente, Adelphi.